La compañía presenta su nuevo espectáculo donde incorpora una nueva y espectacular puesta en escena.

Ante el gran éxito en Madrid, y las buenas expectativas generadas por la impresionante respuesta mediática internacional que se produjo en la presentación de Sinfonity el pasado mes dediciembre, el proyecto Sinfonity ha encontrado estímulos y socios para plantearse nuevos retos. Se ha ampliado el repertorio y se ha diseñado  una nueva puesta en escena, para crear un espectáculo de gran formato que pueda competir con fuerza en los mercados internacionales y girar por todo el mundo.

Utilizando la más moderna tecnología de sonido, en perfecto equilibrio con los métodos de la orquesta sinfónica tradicional, es posible hoy ofrecer este nuevo concepto de espectáculo. Tradición y pureza en un formato actual y refrescante que pretende acercar la música culta a los jóvenes y dar una nueva perspectiva a melómanos de todas las edades.

Ha tenido que ser en España, país de gran tradición de guitarristas, donde surgiese la primera orquesta sinfónica de guitarras eléctricas del mundo.  Sinfonity es una idea original de Pablo Salinas, director musical de la orquesta y creador de la misma. Compositor,  intérprete  de  guitarra  y  piano,  arreglista  y productor,  al  que  avalan  30 años de experiencia profesional.

Desde la puesta en marcha del espectáculo en granformato, Sinfonity ha recibido propuestas para presentarse en Argentina, Perú, Chile, Colombia, Japón, Estados Unidos, Alemania, Rusia, México e Israel.

Sinfonity es el resultado de juntar a 19 maestros, para que interpreten la belleza de las más admiradas composiciones de músicas clásica, como sólo ellos pueden hacerlo, con guitarras eléctricas. Los integrantes de Sinfonity son músicos de depurada calidad y compromiso con la música. Entre ellos se encuentran algunos de los más relevantes guitarristas de la escena nacional. Músicos: Jose A. Romero, Miguel Larregla, Salvador López, Ivan Manoloff, Miguel Losada, Luis Cruz, Gustavo Martín, Luis Morate, Guillermo Guerrero, Sergio Rivas, José Escarda, José Blázquez, Gorka Capel, Jerónimo Sánchez, Oscar Sanz, Pedro Saura, Carlos Salinas, Philip Littlelake.

Con el deseo de acercar nuestra herencia musical a las nuevas generaciones,  Sinfonity  interpreta a los grandes clásicos con una sonoridad inédita y conmovedora. Desde Bach a Holst, desde Vivaldi a Falla, el repertorio constituye una grata y emocionante experiencia.

Sinfonity presentará en sociedad su nuevo espectáculo los días 25, 26 y 27 de mayo en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid (Jorge Juan, 62).

Uno de los montajes que más ha impactado al público, que más unánimemente se ha aplaudido, vuelve, quizás por última vez, a los escenarios, esta vez al Teatro de La Abadía

El 9 de mayo de 2011, en el Gran Teatro de Córdoba, se rubricaba con premios lo que los espectadores ya habían sentenciado: La función por hacer, merecedora de 7 Premios Max, era uno de los montajes del siglo XXI, uno de esos hechos teatrales llamados a permanecer en la memoria de todos los que disfrutaban su vivencia. Tres premios de la Unión de Actores y una extensa gira y ahora se cierra el círculo en el Teatro de La Abadía. Estrenada en 2010 en el hall del Teatro Lara, la obra está basada en Seis personajes en busca de autor, de Luigi Pirandello, en la que el autor italiano reflexionaba sobre el límite entre teatro y realidad. Miguel del Arco y Aitor Tejada cocinaron una versión radicalmente contemporánea que sirve en bandeja el sexteto formado por Bárbara Lennie (en esta ocasión, sustituida en algunas funciones por Teresa Hurtado), Raúl Prieto, Israel Elejalde, Cristóbal Suárez, Manuela Paso y Miriam Montilla. Nuestro pequeño homenaje a este hito del teatro español contemporáneo se sirve como una lista de opiniones que llegan desde la prensa, la profesión y el público. ¡Enhorabuena Kamikazes!

Teatro de La Abadía. Hasta el 9 de junio

Miriam Montilla y Manuela Paso

En La función por hacer intervinieron muchos  ingredientes: en el original hay muchos personajes, pero necesitábamos quitar varios porque no teníamos un duro para hacer la obra, necesitaba que fuera aquí y ahora, el promedio de la edad de mis actores era más bajo que la del original… inventas… eso marca la toma de decisiones.

Miguel del Arco

Recupero unas líneas de lo que escribí hace dos años, impresionado por esa versión vertiginosa y libre de la obra de Pirandello que acababa de ver en el vestíbulo del Lara: “Del Arco y Tejada han elaborado una magistral reinterpretación y puesta al día de un texto clave del teatro universal: conservan y revitalizan la columna vertebral de la función, han podado algunos excesos retóricos, perfilado el meollo fundamental, rebozado en humor parte de la metateatralidad y dejado limpio de redundancias ese sutil juego conceptal entre lo verdadero, lo real y lo representado”. Un borbotón de frescura e inteligencia teatral.

Juan Ignacio García Garzón. Crítico teatral de ABC

Entiendo el éxito de La función por hacer, un montaje fresquito que nos habló de las virtudes de sus dos adaptadores (Tejada y del Arco) para versionar un clásico y dotarle de fuerza. Una función “fresquita”, actual, maravillosamente bien interpretada por actores que funcionan en círculo físicamente y en una espiral emocional. Es de esos espectáculos que no hay que recordar, si no que hay que ir a ver cada vez que se pueda.

María Díaz. Periodista

¿Qué está pasando en el teatro madrileño? La función por hacer es lo que está pasando. ¡Acontecimiento! Me llamó Alex Rigola: “Tienes que ver lo del Lara. Urgente”. Fui al Lara. Salí entusiasmado. Desde entonces se la recomiendo a todo el mundo. No soy el único. (…) La función por hacer, de entrada, es la mejor versión de Seis personajes en busca de autor que he visto en muchos años. Veinte, para ser exactos: desde la de Vassiliev en el Mercat, año 1989. Una versión, pues, que a la manera de Veronese va directa al nervio, que condensa y expande su material, con fragmentos de Cada cual a su manera y de otras piezas de Pirandello.

Marcos Ordóñez. Crítico teatral de Babelia. El País

El resultado es electrizante, brutalmente divertido. Cogen a los espectadores del teatro Lara y les zarandean llevándoles de la carcajada al corte de respiración, y del disparate a la reflexión. Y en cuestión de segundos y de manera permanente. Da mucho gustito ver cosas así.

Rosana Torres. Periodista. El País

Un espectáculo palpitante y turbador, que se agarra al corazón, al estómago y a los cinco sentidos de los espectadores, sacudidos por un océano de emociones y sensaciones que les dejan, al final de la función, inquietos, temblorosos y satisfechos. La realidad y la ilusión son los hilos conductores de este inteligente espectáculo.

Julio Bravo. Periodista. ABC

Los actores que interrumpen la función parecen venidos del más allá, de la nada que habitan los personajes: reclaman un lugar al sol. Me hicieron pensar en «Arrebato», de Iván Zulueta. Aliento de actores entregados, que hiela y quema.

Alfonso Armada. Periodista. ABC

Son actores y actrices que, tras una formación ya dilatada, revientan de pronto en una exuberante primavera. Aquí Suárez, Prieto, Elejalde, Lenie, Paso y Montilla están impecables en un trabajo física y emocionalmente ímprobo. El público les aplaude con entusiasmo

Antonio Castro. www.madridiario.es

Estamos ante una maravilla, una obra de arte con vida propia, con autonomía, como los personajes pirandellianos. Esta compañía consigue cambiar el centro de gravedad de las opiniones y actitudes del público, sus predisposiciones, llevándolos a todos hasta el centro de la acción. Cuando la obra culmina, todos nos precipitamos a su catarsis, público y actores, personajes y pensadores.

Eva Aladro. http://haceralgoconlasmanos.blogspot.com.es/

Con esta libre versión del clásico de Pirandello, Miguel del Arco dio con la fórmula ideal para crear vida en el escenario y fuera de él. Mientras el público se pregunta desconcertado qué está pasando aquí, los actores, o más bien los personajes, rompen los límites de la escena con emociones tan reales, que dan ganas de levantarse de la butaca para prestarles ayuda o consuelo… Nos mueven, nos hacen olvidar que es teatro.

Natalia Erice. ON Madrid. El País

La función por hacer se ha convertido por méritos propios en el mascarón de proa de un colectivo de creadores españoles que prioriza el trabajo, el esfuerzo y la calidad por encima de otros intereses. Como referencia teatral de una nueva generación, ha impregnado con su pátina tanto a espacios como a compañías, entre ellas The Zombie Company, agraciándonos con ilusiones renovadas por un Teatro con mayúscula. ¡Bravo, Kamikazes!

Carlos Be. Dramaturgo y director

A lo largo de este crucero de emociones y gracias a un gran capitán como Miguel, los kamikazes son uno y nos hacen sentir parte de su viaje. Es realmente emocionante ver a un equipo trabajar tan unido. Nadie debe perderse esta experiencia teatral única.

Fernando Sánchez-Cabezudo. Director artístico de Mr.kubik Producciones

Mi reino por un caballo, el programa que he dirigido durante casi tres años, comenzó prácticamente con la grabación de un reportaje sobre La función por hacer. Alguien me chivó que aquello iba a dar que hablar y, aunque la emisión del programa iba a comenzar cuando ya se hubieran acabado las representaciones en la sala pequeña del teatro Español, decidí hacer el rodaje. Entrevisté a Miguel del Arco, que acabó haciéndose un habitual del programa. Lo que más me conmovió de lo que me contó en aquel primer encuentro fue que, tanto él como sus protagonistas, habían decidido hacer la función… por hacer, por hacer algo que les interesaba y que creían interesante. Eran profesionales con éxito, así que su búsqueda no era el motor ni el aliento de esta primera función a la que han seguido tantas. Eso me gustó.

Arantxa Vela Buendía. Directora de Mi reino por un caballo. Subdirectora de ¡Atención obras!

Lo que más me gustó, lo que me impactó absolutamente, fue la generosidad de los actores, el altísimo nivel de la apuesta y cómo se exprimían. Durante la hora y pico que dura la función los personajes destilan emociones muy fuertes. Recuerdo sobre todo a Manuela Paso y a Raúl Prieto, al cien por cien todo el rato. Y más que nada me encantó la manera de involucrar al público, cómo se les convertía con la mirada, con algo intangible, en un personaje más. Es un montaje muy bien hecho y eso no abunda. 

María Morales. Actriz y profesora de teatro

Soy de los pocos amantes del teatro que todavía no había visto La función por hacer de Miguel del Arco y tuve la oportunidad de verla el otro día en un ensayo general en ese templo del teatro que es La Abadía. La función por hacer plantea una disección tan viva e inteligente sobre el mundo del teatro, refleja tan bien lo que muchos actores, autores y directores vivimos día a día, nos preguntamos y cuestionamos día a día que no me extraña que esté en uno de los pedestales más altos del teatro actual español. Una función que filosofa y se ríe de todo eso que nos parece tan importante: el hecho teatral. Y eso es para mí su gran acierto, que también se ría. A veces nos tomamos tan en serio que se nos olvida el sentido del humor. Gracias a Miguel del Arco y a Kamikaze Producciones por seguir adelante con tanto humor, pasión, sensibilidad e inteligencia.

José Martret. Actor y director de La casa de la Portera

Bárbara Lennie

Bartleby @SLSeco #Lafuncionporhacer arranca en @teatroabadia. Perdérsela o no volver a verla debería tipificarse como delito

Luigi @guixp11 #lafunciónporhacer Una compañía que funciona como un único organismo preciso, dúctil, sensible, VIVO, Genial. #tuiteatreros

Pétalo de sal @petalodesal Actores en estado de gracia, texto brillante, huracán escénico en brookiano espacio vacío #lafunciónporhacer @Kamikaze_Produc @teatroabadia

Efecto Madrid @EfectoMadrid Ya está en Madrid #LaFuncionPorHacer prodigio escénico, enseñanza teatral, verdad necesaria

David Carrón @cdcarron Recomiendo mucho más “La función por hacer” en @teatroabadia de @Kamikaze_Produc ayer me gustó más que la primera vez. Apoteósica!

Twiteatrera ‏@twiteatrera Adoro el teatro que me arranca una sonrisa y al instante me pone un nudo en la garganta. #LaFuncionPorHacer @Kamikaze_Produc @teatroabadia

Jose Padilla ‏@Padramatic Lo mejor de #Lafunciónporhacer (entre mil cosas más) es que gritó bien alto algo, mucho antes que la gala de los Max del lunes: SÍ SE PUEDE.

En este mundo imperan -queramos o no- convencionalismos socialmente aceptados o modelos de vida que se consideran superiores o por lo menos normales (no extravagantes)

Para lograr esa aceptación grupal damos mucha importancia a las apariencias, a presumir del estatus laboral, a presumir de la vida sentimental, aparentar ser una persona estable a nivel emocional y con éxito… Y hay momentos puntuales de la vida en los que nos esforzamos por representar todos esos papeles a la perfección. Uno de ellos es el reencuentro con viejos amigos tras algún tiempo de desconexión. Una situación que debería ser agradable y relajada, pero que se suele convertir en una escenificación tensa de una vida, la nuestra, que no es tal como la contamos, sino que la contamos como verdaderamente la quisiéramos vivir.

Alberto Castrillo-Ferrer dirige esta obra sobre un grupo de antiguos amigos de la universidad que queda a cenar después de varios años sin verse. Hay una particularidad: uno de ellos se ha convertido en una persona famosa y esto va a causar extraños comportamientos en los demás. A nosotros se nos ha negado la invitación al comedor, visualizaremos esta velada desde la cocina (ese lugar de la casa donde está lo mejor de las fiestas) que se convertirá -para los invitados- en el rincón perfecto para liberar tensiones y compartir risas, chismes y críticas de esta particular cena; y a nosotros nos permitirá descubrir qué es lo que se esconde tras la fachada de los personajes, nos permitirá viajar a la trastienda (la cocina en este caso) de su personalidad y comprender mejor su comportamiento, tanto en esta cena, como en su vida cotidiana.

En este reencuentro se producirán una serie de acontecimientos que irán de lo trágico a lo increíble y de lo grotesco a lo tierno en apenas unas horas. Los cuatro personajes (interpretados por Carmen Barrantes, Laura Gómez-Lacueva, Hernán Romero y Jorge Usón) nos acercarán con humor y con algo de amargura a momentos que seguramente no nos sean para nada desconocidos.

Sergio Díaz

Teatro Fernán Gómez. Del 17 de mayo al 9 de junio

El reconocido director se duplica en la cartelera madrileña: con ¡Ay Carmela! Musical en el Teatro Reina Victoria y con Viento (es la dicha de Amor) en el Teatro de la Zarzuela, todo un lujo  

Llevas unos años que no paras de enlazar proyectos, ¿en qué momento te sumas a ¡Ay Carmela! Musical?

Al mismo tiempo que estaba con El montaplatos ya me encontraba trabajando con el adaptador José Luis García Sánchez. A mí me llega una estructura previa de lo que estaba haciendo García Sánchez y la idea de Andrés Vicente Gómez de que fuera musical sin que estuviera hecha la música todavía. Él ya produjo la película y tenía muchas ganas de volver a revisar el libro de José Sanchís Sinesterra para teatro. Lo cierto es que la grandeza del libro y los personajes dan para múltiples versiones. Entonces es cuando ya dentro del proyecto empezamos a pensar en los dos protagonistas. Yo propuse a Javier Gutiérrez, con el que llevo trabajando 15 años y que para mí es mi hermano y uno de los mejores actores de este país. Y Andrés me propone a Inma Cuesta, que ahora mismo no imagino a Carmela sin ella, es una actriz de una fuerza y una naturalidad increíble.

¿La gente acostumbrada a verla en la tele o el cine se va a sorprender mucho con Inma Cuesta?

Se va a sorprender mucho. Carmela se presenta como una mujer de los años 30 que en un momento dado comete un acto de rebeldía. Era una mujer de rompe y rasga, como había muchas en la época, que tiene sexo cuando le apetece y que le canta las cuarenta al que se le ponga delante. E Inma, aunque es pequeñita, saca un genio y un carácter que enamora. Todo el mundo sale enamorado de ella.

Aparte de Javier e Inma, cuentas con un elenco muy joven…

Todo el reparto es gente de mucho teatro y de mucha calidad. Marta Ribera, por ejemplo, es una grandísima cantante, showgirl y actriz. Contamos con un elenco que viene del musical con una preparación actoral increíble que tan pronto te bailan claqué, como te cantan o interpretan a la perfección. Es una nueva hornada con la que yo estoy flipando y con la que la gente va a disfrutar mucho porque además son gente muy cómica.

¿Encima del escenario veremos una visión muy diferente de la historia que vimos en su momento en el cine? 

Es diferente. Es cierto que sigue siendo una obra situada en la Guerra Civil, y es fundamental que lo esté ahí, y Paulino y Carmela siguen siendo lo mismo. Sin embargo, creo que la diferencia es la sensibilidad, pienso que el montaje puede llegar a un público actual perfectamente. Sobre todo porque lo más novedoso de esta versión es que es musical. Y lo es recuperando todo un género de revista, de music hall, de copla… de los años 30, y por otro lado añadiendo canciones compuestas a medida para el montaje por autores actuales como Pedro Guerra, Vanesa Martín o Víctor Manuel.

Si la música es uno de los ejes fundamentales del montaje, también has querido contar con otros elementos para contar la historia, ¿no? 

Cuando me propusieron el proyecto en seguida pensé en cine. Hablando con Beatriz San Juan, que es la diseñadora del vestuario y de la escenografía y con Valentín Álvarez, el iluminador, que son mi equipo de toda la vida, comentábamos que para nosotros la Guerra Civil era un documental en blanco y negro, así la hemos vivido. Decidimos que así queríamos mostrarla y entonces sobre un telón atípico se proyectan imágenes de la guerra y hay varias escenas en las que lo audiovisual se intercala con lo teatral. Por ejemplo, hay un bombardeo muy emocionante que le pone música Joan Valent que a la gente le está impresionando mucho. Aunque pueda parecer lo contrario no es una aportación de Andrés sino mía inspirada en él. Yo sabía que no sólo lo iba a entender sino que lo iba a potenciar.

Tras esta aventura, ¿ves a Andrés Vicente Gómez acercándose más a menudo a producir teatro?

Él está muy contento y ya lleva dos este año. Yo sólo sé que en el teatro hacen falta más productores artísticos, como es Andrés, sobre todo porque en esta época puede ser muy interesante el aportar nuevas ideas, más imaginación.

Además, comparado con el cine o la televisión, no está sufriendo tanto el cambio que están produciendo las nuevas tecnologías…

El cine, la televisión, el sexo, la sociedad… están pasando una época en la que se tienen que adaptar a una nueva realidad con las nuevas tecnologías. Es así en todos los ámbitos. En el teatro, por el contrario, el cambio no se ha notado tanto porque no deja de ser un espectáculo en vivo y es ahí donde radica su fuerza. Hay nuevas formas, como hacer teatro en las casas, pero ese aspecto no cambia y por eso siempre sobrevive.

El año pasado estuviste con El montaplatos y Elling a la vez en cartel. Este mes sucede lo mismo porque además de ¡Ay Carmela! – Musical también estrenas en el Teatro de la Zarzuela Viento (es la dicha de Amor). ¿Que podemos esperar de éste, como habéis descrito, ‘Poema lírico sobre el Deseo’?

Está siendo de los experimentos más personales y más bonitos que he hecho en mucho tiempo. A mí me ofrecen una zarzuela barroca, cosa que no sabía ni que existía, que es lo mismo que una ópera barroca pero se actúa entre canción y canción. La música era fascinante pero el libreto no. Entonces le propongo a Paulo Pinamonti, el director del Teatro de la Zarzuela, que si me deja cambiar los textos y hacer un homenaje a la poesía amorosa y erótica del S. XX que creo que puede salir algo muy bueno. Me deja, y estamos trabajando un grupo de cantantes, actores y bailarines en torno a la música barroca y la poesía contemporánea. Va a ser una especie de concierto para los sentidos muy multidisciplinar.

Veo que de la primera idea del encargo a lo que va a salir hay mucha distancia…

Es que no aceptaría un proyecto en el que no pudiera aportar nada. Me han ofrecido cosas así y no las he aceptado. O puedo ser yo y expresar lo que quiero o resultaría algo frío y ajeno y no lo quiero. A lo mejor llega el día en que tenga que hacerlo por necesidad pero por ahora no es así.

Entre los autores que has seleccionado, ¿a quién encontraremos? 

Parto de Calderón de la Barca como homenaje al Barroco y de ahí pasamos directamente al S. XX con poemas de Ángel González, José Ángel Valente, Luis Cernuda, Josep María Fonollosa, Félix Grande, y de algunos otros. Son de un nivel espectacular, quizás no sean los más conocidos por la gente pero por eso mismo tenía ganas de ponerles en un sitio privilegiado como merecen.

¿Donde situáis la historia? 

Hemos hecho una traslación para que esta especie de cuento suceda en Arcadia, algo así como Olimpia. Imagínate un paisaje de Rubens o de Tiziano llenos de faunos y ninfas persiguiéndose amorosamente. Algo así queremos recrear pero llevado a un balneario en Suiza y en vez de faunos y ninfas gente contemporánea. Es un juego divertido en el que defendemos la filosofía del goce y del placer.

Y de nuevo la música coprotagonista… 

Sí. Además, contamos con Alan Curtis que es un honor en la dirección musical. Es posiblemente el mejor director especialista en barroco que hay en el mundo y que tiene un gusto muy especial.

En esta ocasión te acompaña un compañero de vuestra compañía Animalario como es el actor Alberto San Juan.  

Es que Alberto además de buen actor es un prodigio recitando. Él ya está por su cuenta haciendo varios recitales y es que escucharle recitar es una delicia. Pero, a parte de él, es que tenemos a Sol Picó con las coreografías y a todo el equipo del Teatro de la Zarzuela, dirección, producción, equipo técnico y colaboradores artísticos como el coro, que a pesar de lo que muchos puedan pensar, son de una mentalidad muy abierta y una libertad creativa enorme.

¿El futuro pasa por Animalario o es difícil como se está viendo levantar desde las compañías privadas montajes grandes con muchos actores? 

Animalario tirará, y no quiero ser mal educado, por donde le salga. Depende, como siempre ha sido, de que nos apetezca juntarnos y hacer algo. Por ahora, como en cualquier matrimonio que lleva muchos años, nos hemos dado un tiempo aunque seguimos coincidiendo por partes en otros proyectos, como yo aquí con Alberto San Juan. En cuanto a la dificultad que decías, estoy metido en un proyecto con Miguel del Arco que estamos intentando sacar adelante. Pero también te digo que los tiempos cambian porque cambian a la gente que los habita. Nosotros hemos crecido en el teatro haciendo las cosas de una manera pero la estructura de una compañía independiente de teatro mediana se la han cargado y tenemos que buscar otra manera de llevar adelante los proyectos. Quizá pase por buscar una casa propia en tu ciudad para poder mostrarlos.

David Hinarejos

¡Ay Carmela! Musical

Andrés Vicente Gómez, productor de la versión cinematográfica dirigida por Carlos Saura de la exitosa obra teatral de José Sanchís Sinisterra ¡Ay, Carmela!, está detrás de este proyecto escénico para el cual ha contado con Andrés Lima en la dirección, José Luis García Sánchez en la adaptación, Julio Awad en la dirección musical o Teresa Nieto en la coreografía, entre otros. Además, Víctor Manuel, Pedro Guerra y Vanesa Martín han compuesto temas originales para el musical, que junto a los temas propios de la obra, como Suspiros de España, ¡Ay, Carmela!, Giovenezza o Jarama Valley, forman un renovado paisaje sonoro. Por si fueran pocos alicientes, el montaje cuenta con intérpretes y cantantes de primer nivel: Inma Cuesta, Javier Gutiérrez, Marta Ribera, Javier Navares, Álvaro Morte, Pablo Raya, Javier Enguix y Sagrario Mielgo. Una singular puesta en escena que narra la dramática (aunque haya mucha comedia) historia de Carmela y Paulino en el contexto de la Guerra Civil Española.

Viento (es la dicha de Amor)

Escrita probablemente a principios del siglo XVIII por el dramaturgo Antonio de Zamora, la zarzuela Viento es la dicha de Amor se estrenó en Madrid en 1743, con música de José de Nebra. La obra, estructurada en dos jornadas, presentaba tres historias de deseo amoroso, que se desarrollaban en tres planos distintos y relacionados. En esta versión, Andrés Lima nos transporta a un balneario suizo del siglo XXI, donde tres trabajadoras contarán la historia de Céfiro y Liríope a un extraño personaje que resultará ser el dios Amor. Lima sustituye la mayor parte de los versos del libreto original por una selección de poesía amorosa española de los siglos XVII al XXI, aportando al montaje grandes dosis de erotismo y deseo a través del verso, la belleza, la sensualidad, los masajes… y Epicuro.

Teatro de la Zarzuela. Del 17 al 31 de mayo

A través de la tragicomedia farsesca cabaretera, del cante, del baile y de la palabra con una rítmica singular nace esta propuesta de la pluma de Amalia Hornero (que también actúa) y Arturo Menoyo, con el afán de propiciar el encuentro entre dos lenguajes poderosos (el teatro y el flamenco) que invitan a gozar, a reír, a pellizcarnos y a transmutar

Bajo la dirección de La Hornero y con Ludy Ruiz, Julia Murillo, Pepa Chacón y Pablo Rubén Maldonado como protagonistas, se nos cuenta la historia del viaje de ida y vuelta de un cuadro flamenco muy particular que se encuentra en la diatriba de vencer las circunstancias adversas que lo conforman y rodean, o morir. Aunque crean estar en movimiento la realidad es que se han quedado atrapadas en el tiempo, colgadas de recuerdos y viviendo en un espacio onírico del que sólo son capaces de salir cuando toman vida para representar sus historias. Conoceremos a la Pimentona que, junto a su troupe, y después de pasear sus artes por un cabaret de Estambul, por un penthouse neoyorquino y por un cuartito andaluz, regresa -del más allá- a la casa que, paso a paso, quejío a quejío, callo a callo, montaron en un castizo barrio de Madrid. Y allí las recibe La Polilla, portera, regente y heredera de la casa que, por causa de la crisis, quiere ponerlo a la venta. La tradición, la sabiduría de nuestros antepasados y nuestra negativa ante los cambios inevitables de la vida son temas que se nos presentan a ritmo de bulerías, soleás, alegrías, tangos, siguiriyas y fandangos.

Teatro Alfil. Desde el 17 de mayo

David Mamet juega en una prisión con el concepto de libertad, enfrentando a una condenada por terrorismo (Magüi Mira) con la funcionaria de prisiones que interpreta Ana Wagener, cuyas palabras sobre el montaje que ha dirigido José Pascual recogemos a continuación

DAVID MAMET

Mi relación con  Mamet, hasta La Anarquista, ha sido “desde la barrera”. Siempre me ha atraído como un imán, como espectadora y como actriz. Posiblemente por ese lado, oscuro y a la vez tan claro, que tiene en sus planteamientos, y que al margen de presentar un reto actoral, te invitan o mejor te obligan a pensar, a deducir, a adivinar, a elegir… Es un autor que no juzga, ni las situaciones ni a los personajes. Nada es lo que parece, todos tenemos muchas caras y cada verdad esconde una mentira y viceversa. Así que me siento absolutamente afortunada por poder participar en su última función.

LA ANARQUISTA

La Anarquista habla de nuestra sociedad, de lo que mueve el mundo. La obra está habitada por el poder desde todas sus aristas, que son muchas, ya que hay muchas formas de sometimiento, y de aquellos que lo ejercen. También habla de los ideales y de los que los defienden.  El miedo es otro de los temas principales, la libertad y la represión… Y por supuesto el amor y la falta del mismo.

EL PERSONAJE

Yo interpreto a Ann, una psicóloga que trabaja para el Estado. De ella dependerá el futuro de Cathy (Magüi Mira) y el suyo propio. Tiene un gran sentido del deber y de la responsabilidad, y está llena de contradicciones, que son las que le hacen sentirse vulnerable. Mi papel es sólo una de las partes de esta balanza que Mamet expone para llenarnos de contradicciones, ya que Ann representa el poder, el deber, la ley, el gobierno, la moral… lo que se supone correcto.

EL MONTAJE Y MAGÜI MIRA

José Pascual es un gran conocedor de Mamet, y su versión es muy fiel al libreto original. Ha estado muy abierto a ir cambiando ciertas partes en el terreno de juego que han sido los ensayos. De Magüi Mira destacaría, además de su capacidad de trabajo, su entusiasmo y su energía por sacar el proyecto adelante.

Teatro Español. Del 14 de mayo al 16 de junio

Oluz, que es el título de esta obra, viene de Zulo al revés. Es un homenaje poético-teatral a las niñas-mujeres secuestradas. El cautiverio a través de la metáfora o cómo derrotar al monstruo 

En Oluz hay dos planos, lo vivido y lo contado. Elizabeth Trejano vuelve a bajar al zulo donde estuvo secuestrada durante años con el propósito de mostrarnos su vida allí y, sobre todo, el recorrido personal que le hizo salir victoriosa. En lo vivido está el drama, el horror de una situación tan tremenda, y también lo cotidiano, la esperanza y las armas encontradas para derrotar al monstruo. De su bajada a los infiernos, Elizabeth emerge como una heroína que da fin a la pesadilla. Derrota a su secuestrador y destruye todo lo que él había creado, lo que de ella había hecho. El espectador hace ese itinerario con ella, la ve salvarse. También es un cuento. Hay otra narradora, otras quizá. La voz de todas las mujeres y niñas que han pasado por algo similar.

Oluz es el germen de la compañía Los Menos. Más que compañía, laboratorio. Más que teatro clásico, teatro experimental. Teatro de probeta. La cocina del teatro. Tubos de ensayo o viceversa. En el lugar de lo fronterizo, lo lúdico, lo poético. Un grupo de artistas que experimentan en las artes escénicas, visuales y en la producción de pensamiento. Entre el teatro y la performance. ¿Qué dicen ellos? “Nacemos como Los Menos en 2012 en torno a un zulo. Lo acontecido en el interior de él, pero, sobre todo, lo acontecido en el interior de las mujeres y niñas cautivas allí durante años, nos obsesionó y nos terminó uniendo. Entrar en lo desconocido se convirtió, desde el primer momento, en la principal de nuestras inquietudes. Nuestra historia pronto encontró sus argumentos: la vocación de laboratorio y el componente corporal del trabajo, buscando siempre en la experiencia física la autenticidad de la acción”.

Los Menos son el director y escenógrafo Joaquín Lisón (París, 1971), la actriz y performer Erika Trejo (México DF, 1976), el escritor y dramaturgo Juan Montoro (Murcia, 1973) y el actor y músico Pedro Albentosa (Barcelona, 1973).

Los Menos son organizadores del Festival de Agitación Escénica Decorrido, que tendrá lugar del 6 al 9 de junio en Murcia (http://www.decorrido.es/)

Sala DT. Del 9 al 11 de mayo

La primera obra de teatro por capítulos que ha tenido lugar en la librería La buena vida, anuncia su final. Últimas oportunidades para disfrutarla. ¿Habrá segunda temporada?

Teatro en serie nació el pasado mes de octubre como un nuevo formato teatral que consiste en la representación de una obra de teatro por capítulos, de 40 minutos cada uno, a modo de serie televisiva. Una nueva forma de contar historias y de aproximar al espectador al trabajo de interpretación del actor de una manera no convencional. La primera experiencia se ha materializado en Días como estos, la obra que se ha estado poniendo en escena varios días a la semana en la librería La buena vida-Café del libro, con una acogida espectacular por parte de crítica y público.

Escrita y dirigida por Luis López de Arriba, y protagonizada ahora, tras algún cambio en su elenco, por Nacho Rubio, Inma Isla, Fran Calvo, Inma Gamarra y Miguel Uribe, Días como estos anuncia la representación de sus últimos capítulos durante el mes de mayo. Es el momento de ponerse al día con los capítulos anteriores y prepararse para el desenlace final. Este es el calendario, y como dice su eslogan, no esperes a que te lo cuenten.

10 DE MAYO: CAPÍTULOS 3 Y 4 A LAS 21.30 y 23.00 HORAS.

17 DE MAYO: CAPÍTULOS 2 Y 3 A LAS 21.30 y 23.00 HORAS.

18 DE MAYO: CAPÍTULO 4 DOBLE FUNCIÓN A LAS 21.30 Y 23.00 HORAS.

24 DE MAYO: CAPÍTULOS 2 Y 3 A LAS 21.30 y 23.00 HORAS.

25 DE MAYO: CAPÍTULO 4 DOBLE FUNCIÓN A LAS 21.30 Y 23.00 HORAS.

31 DE MAYO: CAPÍTULOS 3 Y 4  A  LAS  21.30 y 23.00 HORAS.

Más información en www.teatroenserie.com 

La sala de Aranjuez acoge otra muestra de nuevas y emergentes narrativas escénicas de la mano de la compañía de la Sala Ensalle de Vigo

No se trata de contar otra cosa, sino de contarla de otra forma. De mostrarla de otra forma. No se trata de conformarse con lo que ya sabemos, se trata de investigar y encontrar nuevos lenguajes. El teatro contemporáneo puede ser muchas cosas, pero lo que es común a todas ellas es que urgen representar la realidad que se vive.

El mundo como lo conocíamos está desapareciendo. La Cultura sin embargo, al igual que la energía, no desaparece, sólo se transforma. 

Partiendo de 10 cuerdas rojas que cuelgan del techo, la escenografía de la obra se va creando en la propia función, el espacio como si de un microcosmos se tratara se construye pieza a pieza con el agua, la tierra, el fuego y el aire de fondo.

Con la violencia de esas nubes que entran por la ría en invierno, con su imprudencia, con la contundencia del que no tiene nada que perder. Así te colocas frente a ti mismo, sabes que tal vez todo se diluya, que esa tormenta que aprietas en los puños quizá no sea suficiente, pero no te importa. Ahora, convertido en ceniza, no tienes ya nada que temer del fuego. Cargado de palabras y de silencios y de fotos viejas que duelen, te alejas para volver cada día en forma de tormenta. 

Hubo que sustituir cada gramo de necesidad por un poco de deseo, así, imprudentemente. ¿Te acuerdas del viaje? El olor de la pintura fresca, limpiar los viejos objetos y colocarlos cerca de las paredes recién pintadas. Rescatar tan sólo unos pocos objetos del pasado y prepararnos para hacer de este presente un pasado algo más digno, así, imprudentemente, sin pensar demasiado. Todo lo demás por la ventana. 

La compañía Teatro Ensalle está vinculada a la sala alternativa homónima, este es un hecho que la dota de cierta perspectiva en cuanto a narrativas escénicas emergentes, tanto en danza como en teatro. Esta observación de las distintas líneas que se están llevando a cabo, así como el hecho de poder compartir inquietudes con profesionales de distintos ámbitos culturales, les lleva a elaborar nuevos lenguajes escénicos y a investigar sobre las posibilidades de estos en lo que a comunicación con el público se refiere.

Una de las preocupaciones más observadas en los creadores contemporáneos es la formal, ¿existe la posibilidad de que ya se haya hecho todo?, obviamente no, son muchos los movimientos artísticos que, aun habiendo existido en expresiones artísticas como la pintura o la escultura, no han tenido reflejo en los escenarios hasta principios de este siglo. Desde el punto de vista del contenido, las temáticas también preocupan a los autores contemporáneos, no es tan solo cómo contar, sino qué contar, en una sociedad que se protege cada día más, que se aísla y refuerza las barreras por medio, en parte, de la tecnología, es difícil saber qué le preocupa verdaderamente a la gente. Desde distintos foros artísticos se apunta a la necesidad de que los autores asuman riesgos, de que sus temáticas sean más personales, mas desnudas de ficción.

Preparamos la casa por aprender y desde allí, desde lejos, realizamos pequeñas incursiones en los días de niebla espesa, al resguardo de las palabras como piedras. Sabes que eres uno más de los paseantes innecesarios. 

Pedir serenidad es colaborar con los asesinos, te dije, nada de serenidad, nada de paz, no es el momento de la serena contemplación. Pedir serenidad es como presenciar comiendo palomitas una pelea de perros salvajes, me dijiste, eso no puedo hacerlo, me dijiste. Que nadie nos pida serenidad, dijimos, que nadie se atreva a pedirnos paciencia, que ni Dios nos pida tiempo, que nadie le pida a nadie calma.  

Como en todas las producciones de Teatro Enaalle, el texto es solo una de las líneas que marcan la dramaturgia de la pieza. Junto con el texto, en paralelo a este, se desarrolla una dramaturgia del movimiento. Este movimiento es una parte fundamental de lo que se cuenta. En el caso de Imprudentemente desee la propuesta se basa en la investigacion y el desarrollo de este lenguaje, de la conjunción del texto y del movimiento, situando así la “línea logica” del discurso narrativo en manos del espectador. Esta recolocación permite mostrar en vez de contar, con lo que el espectador tiene efectivamente la sensacion de presenciar algo “real”, algo que esta pasando en ese momento y que no se repetirá.

Puedes ver un vídeo del montaje en http://www.revistagodot.com/?p=8601

La Nave de Cambaleo (Aranjuez). Los días 10 (21h), 11 (21h) y 12 de Mayo (20h).

El viernes y el sábado habrá un coloquio con el público después de la función.